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艺术真好，我们不该只去拍照 l 画廊周北京

来源：爱乐趣网时间：2021年04月30日 10:20

原标题：艺术真好，我们不该只去拍照 l 画廊周北京

第五届北京画廊周于 2021 年 4 月 27 日正式开幕。本届画廊周北京汇聚了共37 家画廊、非营利机构、和独立艺术机构参展。除各大单元的展览外，画廊周北京也将展览项目延展到数字领域。今年单读又去看展啦！今天和大家分享几个有意思的作品，希望在生活逐渐归于常态的后疫情时代，我们能重新体会亲身进入艺术现场的感受。

巨浪与余音——后现代主义与全球 80 年代

北京中间美术馆

正如它的题目所暗示的那样，这是一个庞大的、野心十足的展览。展览呈现了来自中国、韩国、日本、菲律宾、美国、德国、瑞士、波兰、荷兰、乌克兰、俄罗斯、捷克、克罗地亚、智利等多个国家的艺术家在 1980 年代的实验性创作。仿佛是以“观光者”的视角环顾全球，找寻 1980 年代分散在世界不同角落的能量，并将它们平稳又巧妙地纳入后现代主义的全球性话语之中。进入 1980 年代以来，伴随着资本的全球扩张和渗透加剧，后现代主义的文化逻辑和思想风格加速在世界各个角落弥散。它不仅提供了一种反思近代化单一逻辑的思想框架，更消解了不同艺术实践形式之间的界限，艺术家们大胆使用用“拼贴”和“挪用”的手法嘲弄艺术本身的严肃性。

在展览中，我们能看到师从森山大道的日本摄影师北岛敬三在苏东剧变前后深入东欧各国时留下的摄影作品；前苏联时期迫于时局以公寓为创作和展览空间的“公寓艺术小组”；以及由 C.A.D.A（艺术行动小组）创作的、奇袭并占领了报刊杂志的寡妇肖像。——她在反对皮诺切特军事独裁的游行中失去了丈夫……在这里，什么都能成为艺术实践与媒介的一种，整个展览混杂着装置、表演、影像、身体艺术等多种形式。

放眼全球的展品呈现，一方面要求我们积极介入和尝试理解每一个具体的政治文化语境，同时又暗示着将其作为一个整体重新进行整合认知的可能性。这些具有实验性的创作突破了艺术史阐释的威权体系，看似缺乏整体目的，但当它们聚合在同一个展览空间之后，所产生的化学反应却是惊人巨大的。展览空间内充斥着重叠的音效，来自 1980 年代的幽暗影像不断刺激着双眼，在实实在在的身体感受面前，阐释深奥艺术理论的语言显得格外苍白和无力——因为整个展览就是一个 1980 年代的时代切片和浓缩胶囊。

郭鸿蔚：活泼泼地

魔金石空间

进入魔金石空间，“活泼泼地”就变成了一个十分可爱的双关语。它一方面是苏州留园西面一处水榭的名字，一方面又作为一个副词，与展览的整体风貌和精神气质相吻合。“活泼泼地”展出了郭鸿蔚近年的绘画作品。在创作内容上，他聚焦于不合时宜的差异化情境，整体风格又以明快的色调和自由的线条为基调，在内涵和情绪上均实现了精准的扣题。

几乎所有展出的画作都让人印象深刻，自由生长的曲线是每幅作品的共同元素。展厅中最大尺幅的作品——《舞 No.1》（2021）源于电影《修女乔安娜》（1961）中一群修女身着白袍欢快地旋转、跳跃的场景。在画作中，修女们的表情被抹去，身姿以飘动的衣袖展现。然而，通过神奇的曲线组合，抽象的衣袖、脸庞和身体线条展现出无比蓬勃的律动和令人迷醉的欢愉。宗教的禁欲律令被冰淇凌一样诱人的粉红色块和灵动的曲线无比温柔地消解和击碎了。同时，得益于作品巨大的尺幅，它能以最原始又最有效的方式充斥你全部的视觉感官，让每个见到它的人重拾那种久违了的、天真的惊叹。——这副画可真好看！

片石山房——沈勤·陈琦作品展

亚洲艺术中心

“片石山房——沈勤 • 陈琦作品展”是两位画家第三次携手举办的双个展。此次展览缘起于两位艺术家于 2020 年 5 月游历扬州园林“片石山房”——一处始建于明代的古典园林建筑。园中的叠石相传出自清代大画家石涛之手。有感于独峰耸翠、秀映清池的叠山，两位艺术家当即相约以“片石山房”为题进行创作，同时举办展览以此致敬石涛。

展览空间由韩国建筑师郑东贤依据展厅的既有构造改造而成，以黑色为主色调的空间最初可能会让人想退避三舍，但只要进入其中便很快能领略其中奥妙。曲折、延展的空间结构，配合明暗交错的灯光布置，让每一次画作的出现都充满惊喜。在展览空间中，“初极狭，才通人”，可是只要耐心地“复行数十步”便能“豁然开朗”。在经过狭窄的走道后突然出现在眼前的巨幅作品《片石山房》让人仿佛恍惚间穿越到了开阔的新天地。这副放置于弧形展墙的巨作采用了水印木刻的制作方法，当精巧的阴影和微妙的笔触共同完成了时空转换的魔法，展览空间就变成了波光粼粼的水墨园林世界。别出心裁的空间设计不仅使两位风格迥异的艺术家间的“对话”与“融通”变得可见，更营造出浸入式的观看体验，使作品获得了更丰富的表达。

不确定整体的不完美碎片

拉斐尔·多梅内克——户尔空间

户尔空间带来了艺术家拉斐尔·多梅内克的首次中国个展“不确定整体的不完美碎片”。从进入展览空间的一刻起，便马上能体会到突破常规的惊奇感。艺术家将建筑材料和生活场景转换为实验性出版物，这些出版物包括了放置于中层展览空间展示台上手作艺术书、藏匿在下层展览空间的灯光装置和悬于观众头上刻印诗歌的天花板。

每个游览者置身于展厅巨大的装置中，都即刻成为了“不确定整体”的一部分。艺术家邀请观众介入展览，不仅体现在极具巧思的空间设计上，更蕴含在每个观众与展品互动的过程之中。要想看完展览的全部内容，你可能在弯弯绕绕的展区里和其他人相遇，可能需要搬动镶嵌着石块的艺术书、撕开故意粘连的书页。为了看清楚灯光装置和天花板上的诗歌，你可能会忍不住弯下腰蹲在地上一探究竟，或一直仰起头做仰望星空状。通过空间、展品和观展者之间的相互作用，艺术家将观展者在空间内不断游移的身体转化为展览的一部分，同时也打破了艺术品和观众之间固有的等级制度，提供了一个更加平等和动态的交流平台。

“泡沫就是泡沫就是泡沫就是泡沫”

阿斯巴甜——蜂巢当代艺术中心

蜂巢当代艺术中心带来了艺术小组阿斯巴甜的“泡沫就是泡沫就是泡沫就是泡沫”，展览囊括了艺术家最新艺术项目中以泡沫为材料的系列雕塑作品。脱胎于白色塑料泡沫的雕塑群经过精巧的布置形成了令人充满遐想的自然与人文景象：它们可以是沙丘、岩石或是大海中层层堆积的浪花；可以是旧城的遗址、破旧的罗马柱，甚至是充满童心的积木玩具。艺术家大方地将雕塑的创作方法公之于众，他们用弯曲的电热丝雕刻工业泡沫，再喷涂真实漆上色。

而这样大道至简的创作方式，依然使泡沫雕塑表现出强大的张力。它首先挑战雕塑作为一种具有深厚历史的艺术媒介的严肃性——本该恒久存在的、稀缺的雕塑作品却以即刻被生产和抛弃的、普遍的工业泡沫为材料。但或许正是泡沫随处可得的朴实和便利吸引了艺术家。正如策展人于非所说的那样，“若是失去了由塑料泡沫充当的模具，那些更加被看重的，有着更大质量，更高价值的材料们将无以被赋型。”泡沫俨然成为了哲学意义上生命存在的本真形态。那些以泡沫为模具制造的精美雕塑和贵重家具虽然会比泡沫更长久的存在，但它们终究只是泡沫的影子。而泡沫雕塑却如它所表现的沙丘、岩石和海浪一样，成为了直指永恒的存在。

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